di Bryan Singer. Con Rami Malek, Lucy Boynton, Gwilym Lee, Ben Hardy, Joseph Mazzello, Aidan Gillen Gran Bretagna, USA 2018.

A Londra nel 1970, alla fine di un concerto degli Smile, il bassista e cantante Tim Staffel (Jack Roth), se ne va e ai due musicisti restanti – il chitarrista Brian May (Lee) e il batterista Roger Taylor (Hardy) – si presenta Farrokh “Freddie” Bulsara (lui è Parsi e la sua famiglia zoroastriana è fuggita dalle persecuzioni mussulmane), che si offre come frontman. La sua improvvisata esibizione li convince e lui – seguito poco dopo dal bassista John Deacon (Mazzello) – entra nel gruppo, che assume il nome The Queen, e lui cambia il proprio cognome in Mercury. Dopo un po’ di concerti di routine, la band decide di vendere il furgone, mettere insieme i risparmi e incidere un disco. La demo incuriosisce il potente agente Ray Foster (Make Meyers), che li prende in agenzia, affidandoli al manager John Reid (Gillen). Cominciano i primi album e i primi successi, mentre Freddie si sposa con l’amatissima Mary Austin (Boynton). 4 anni dopo, i Queen, spinti dalla costante ricerca di nuove sonorità di Mercury, incidono l’album A night at the Opera, che contiene il complesso ed eccentrico Bohemian Rapsody: Freddie è convinto che vuole che questo brano debba essere il singolo di lancio dell’LP ma Foster è contrarissimo: il pezzo – oltre ad essere fuori dai canoni del rock –  dura 6 minuti e le radio non lo trasmetterebbero. Mercury non demorde e su questo si consuma la rottura con l’agenzia. Ora i Queen, rappresentati da Reid, entrano nella scuderia EMI e –anche grazie al brano incriminato – hanno un successo enorme. Mary è abituata alle sue lunghe assenze, dovute ai trionfali concerti nel mondo, ma comincia a sentire che in lui sta venendo fuori qualcosa: Freddy ha costanti e ripetuti incontri omosessuali e, quando, messo alle strette, confessa, dichiarandosi bisessuale, lei gli dice con chiarezza: “No! Sei gay!” e, con dolore, lo lascia. Per lui comincia un periodo di eccessi da tutti i punti di vista, nei quali lo accompagna Paul (Allen Leech), il mellifluo braccio destro di Reid, che gli altri Queen mal sopportano. Una sera Reid gli propone un vantaggiosissimo contratto da solista e lui, furioso, non solo rifiuta ma licenzia l’agente, affidando l’incarico all’avvocato della band Jim “Miami” Beach (Tom Hollander). Ora Freddie è completamente gestito dal Paul, che è il suo amante e che – dopo aver preso le distanze dalle proposta di Reid – riesce a fargli firmare l’impegno per due album da solista e a staccarlo dagli altri della band, nascondendogli, inoltre, le continue, preoccupate telefonate di Mary – che ha un nuovo compagno, David (Max Bennett) ma che gli vuole sempre bene – e anche i messaggi di Miami, che lo invita a partecipare, con i Queen, al Live Aid di Bob Geldorf (Dermot Murphy). Mary rompe gli indugi e lo va a trovare e, quando Freddie si rende conto dell’isolamento al quale lo stava riducendo Paul, lo scaccia di casa. Prega poi Miami di organizzare un incontro con May, Taylor e Deacon, durante il quale, dopo essersi scusato con loro, li convince a partecipare insieme all’evento di Geldorf. Mentre fervono le prove, gli viene diagnosticata l’AIDS; lui lo comunica ai membri della band, va a cercare un cameriere gentile che aveva amato, Jim Hutton (Aaaron McCusker), e con lui va dai suoi genitori (Ace Bhatti e Meneka Das), riconciliandoli con la propria eccentricità ed omosessualità. Il concerto è un trionfo e l’esibizione dei Queen registra il picco più alto di ascolto mondiale.

Le biografie di musicisti sono un capitolo importante della storia del cinema, non a caso il primo film sonoro accreditato è Il cantante di Jazz del 1927 sulla vita di Al Jolson, interpretato da lui stesso. Dopo di che Benny Goodman (Il re del jazz), George Gershwin(Rapsodia in blu), Glenn Miller (La storia di Glenn Miller), Cole Porter (Notte e dì), Rodgers e Hart (Parole e musica), Charlie Parker (Bird), The Four Season (Jersey Boys), Liberace (Dietro i candelabri), i Doors (The Doors), Brian Wilson (Love and Mercy), Johnny Cash (Quando l’amore brucia l’anima) , Ray Charles (Ray), i Sex Pistols (Sid and Nancy) Janis Joplin (The Rose) e John Lennon (Nowhere boy), per citarne solo alcuni, sono stati celebrati da film, spesso di bel successo popolare. Poteva mancare un omaggio ad una delle ultime grandi star del pop come Freddie Mercury? E così Bryan Singer (I soliti sospetti, X Men), dopo varie vicissitudini produttive, di scrittura e di ricerca del protagonista (doveva essere Sacha Baron Cohen ma ci sono state delle incomprensioni), sceglie l’emergente Malek (Mr. Robot, Papillon) e dà il via ad uno dei maggiori successi tra i biopic musicali (secondo solo, negli Stati Uniti agli incassi di Straight Outta Compton del 2015 sul gruppo rap N.W.A.). Boemiean Rapsody ha avuto anche critiche negative: da un lato, sono stati sottolineate vistose licenze temporali: tra tutte, l’aids nella realtà gli era stato diagnosticato due anni dopo il Live Aid; (di contro, del concerto vengono riprodotti con cura maniacale anche gli oggetti presenti sul palco); si è considerato il ruolo di May e Taylor quali produttori esecutivo un ostacolo per una narrazione meno agiografica; i dentoni (oggettivamente imbarazzanti) del trucco di Malek sono stati visti come un segnale di riproduzione quasi caricaturale del divo. Non sembra così importante tutto questo: è un omaggio ad una rockstar e ad una band mitica ed ha – Dio (o chi per lui) e renda merito a Singer – tutte le sane ingenuità di ogni musical: quando Fred Astaire sembra volare danzando a metà di un dialogo con Ginger Rogers o quando (in Accadde a Brooklyn) Frank Sinatra e Kathryn Grayson improvvisano Là ci darem la mano dal Don Giovanni di Mozart non ci importa di sapere quante prove e fatica abbia richiesto quell’esibizione, ce la godiamo e lasciamo che ce la presentino come una naturale esplosione di artisticità. Singer si è preso una pausa rilassata (sempre per mantenere la metafora) da assassini e mutanti e a noi sta bene così.

di Tom Edmunds. Con Tom Wilkinson, Aneurin Barnard, Freya Mavor, Christopher Eccleston, Marion Bailey  Gran Bretagna 2017

William Morrisson (Barnard) è un giovane scrittore senza successo e la sua vita è stata segnata da una tragedia: a 10 anni (Harry Collett) ha visto i suoi genitori (Keir Charles e Emma Campbell-Jones) morire schiacciati da un pianoforte. Ora è sul parapetto di un ponte sul Tamigi deciso – ma un po’ spaventato – a buttarsi di sotto (è il suo decimo – o settimo: i primi tre erano solo esperimenti – tentativo di suicidio), quando arriva uno sconosciuto, Leslie O’Neil (Wilkinson), che gli offre i suoi servizi nel caso anche questa volta non morisse, lasciandogli un biglietto da visita. Alla fine il ragazzo si lancia ma cade su di un battello. Il direttore (Tim Steed) della piscina comunale, nella quale lavora come bagnino, lo licenzia: un bagnino con tendenze suicide non dà proprio il massimo di sicurezze e, arrivato a casa, trova la solita pila di lettere di diniego degli editori; decide così di chiamare Leslie, che gli dà appuntamento in un bar periferico. Davanti ad una tazza di tè, viene firmato il contratto: al prezzo di 2.000 sterline, il killer (lui preferisce definirsi “una clinica ambulante per l’eutanasia”) lo farà fuori con un colpo d’arma da fuoco (William avrebbe preferito essere investito mentre salvava eroicamente un bambino ma costava troppo); se entro una settimana il contratto non venisse onorato, i soldi verrebbero restituiti. Leslie è anziano e negli ultimi tempi ha avuto pochi incarichi, rischiando di essere messo in pensione (e lui ama il proprio lavoro) dall’Associazione Assassini per la quale lavora; questo accordo gli consente di essere nel plafond di lavoro previsto; è quindi di ottimo umore quando va a depositare il contratto dalla segretaria dell’Associazione (Cecilia Noble). Poco dopo, a casa, la moglie Penny (Bailey) lo accoglie festosa, proponendogli una lunga crociera ma lui la delude un po’ dicendole che vuole continuare a lavorare; la delusione le passa subito perché è tutta presa dalla confezione di un cuscino con il quale parteciperà alla Fiera del Ricamo del quartiere. Al rassegnato e sostanzialmente sollevato William arriva una telefonata: è Ellie Adams (Mavor), redattrice di una importante casa editrice che si è entusiasmata del suo manoscritto e gli dà appuntamento per il giorno dopo a pranzo in un ristorante alla moda. Lui chiede a Leslie di non ucciderlo prima dell’appuntamento e questi, apparentemente, acconsente ma – temendo che una svolta positiva nella carriera di scrittore lo possa indurre a voler vivere – lo segue e, durante il pranzo – nel quale William scopre in Ellie un’anima gemella (anche lei ha assistito alla morte per incidente dei genitori ed ha avuto velleità suicide) – appostato su un tetto, spara, uccidendo per sbaglio il cafonissimo capo (Nigel Lindsay) di Ellie. I due ragazzi si nascondono sotto il tavolino e William le racconta del contratto. Il giorno dopo Ellie va a casa sua per lavorare sul libro e, mentre lui oppone un flebile resistenza (in fondo, dovrebbe morire di lì a poco), arriva Leslie; loro cercano di convincerlo a lasciar perdere ma lui non vuole certo perdere il lavoro; i ragazzi riescono a scappare con l’auto ma vengono fermati da una pattuglia per accertamenti; arriva Leslie, spara e colpisce un poliziotto (Parth Takerar); Ellie prende la moto della polizia e porta William nella sua casa di campagna, dove poco dopo fanno l’amore. Leslie viene convocato dal capo dell’Associazione, Harvey (Eccleston) che gli comunica che, dopo i guai che ha combinato, l’incarico passa al più giovane e spietato Ivan (Velibor Topic) e che lui, con tanto di orologio d’oro in regalo, è in pensione. Leslie non ci sta e….

Nel 1879 usciva il romanzo Le tribolazioni di un cinese in Cina nel quale Jules Verne immaginava un ricco cinese che, caduto in disgrazia e incapace di suicidarsi, incarica un suo amico di ucciderlo in cambio di una sontuosa ricompensa; quando una sua speculazione, a sorpresa, va a buon fine, il protagonista avrà un gran daffare per evitare di essere ammazzato dall’avido e caparbio sicario. Questa storia, una delle più umoristiche dello scrittore francese, ha ispirato vari film. Uno solo, L’uomo di Homg Kong di Philippe De Broca del 1965, però, dichiara, sin dal titolo originale la provenienza, mentre Omicidio a pagamento diretto nel 1957 da Maurice Regamey (che ha consolidato il personaggio paperinesco – tenero, iracondo e pasticcione – di Louis De Funès), l’ironicamente cupo Ho affittato un killer (1990) di Aki Kaurismaki e questo sono, evidentemente solo ispirati al plot di Verne. Il giovane sceneggiatore Tom Edmunds, qui alla sua prima regia, dichiara come fonti di ispirazione film drammatici come Leon, The American, Frank Costello, faccia d’angelo e soprattutto In Bruges – La coscienza dell’assassino, nei quali il sicario protagonista è in alle prese con un ultimo, definitivo incarico. Morto tra una settimana (o ti ridiamo i soldi) non è però un film drammatico, anzi, tanto che, come aveva fatto Kaurismaki, parte con un’esplicita citazione di quel gioiello di umorismo nero che è La signora omicidi (1965) di Alexander MacKendrick; inoltre, a dirla tutta, il Leslie di Wilkinson ha molti punti in comune con il raffinato killer Hawkins, cui dà vita Alastair Sim in Assassino di fiducia di Robert Day nel 1956. Magari quest’ultimo film, Edmunds non lo ha visto ma quello che è certo è che Morto tra una settimana è un perfetto esempio di scrittura nel solco della miglior tradizione inglese del genere. La regia e il montaggio non fanno gridare alla scoperta di un genio del cinema ma la scrittura e le interpretazioni (il cast è semplicemente perfetto) sono divertentissime.

di Anna Odell. Con Anna Odell, Anders Berg, Robert Fransson, Rikard Svensson, Niklas Engdahl, Minna Treutiger, Sanna Krepper.  Svezia 2013

Un gruppo di ex-compagni di scuola organizza una cena per ritrovarsi dopo vent’anni. Quando sono tutti a tavola, con un po’ di ritardo arriva Anna (Odell) che, alla fine del brindisi di Anders (Berg) pieno di retorica sui felici e formativi anni della scuola, si alza e ricorda come tutti loro, isolandola e ridicolizzandola, le avessero reso quegli anni un vero inferno, convincendola di essere brutta e inferiore; il goliardico Robban (Robert) cerca di buttarla sul leggero ma lei non ci sta e si rivolge a Rikard (Svensso), il bello della classe, e al protervo Nille (Engdahl) per rammentare come il primo durante una gita la avesse corteggiata per poi schernirla davanti a tutti mentre il secondo era solito dirle: ”Sei brutta. Perché non ti ammazzi?”. Ne ha anche per le ragazze: Minna (Treutiger) parlava con lei ma solo quando non c’era la sua amica del cuore Sanna (Krepper), altrimenti la ignorava completamente. La cena si interrompe e Rikard scommette che riuscirà di nuovo a farle credere di esserne innamorato. In effetti, apparentemente, la sua corte sembra rabbonirla ma, subito dopo, Anna va da Minna a chiederle conto del suo comportamento di allora; la ragazza scoppia a piangere e tutti gli altri, dopo averla spintonata, la caricano a forza su di un taxi. Ora siamo negli studi della produzione, dove la Odell sta lavorando al film e apprendiamo che le scene che abbiamo visto sono una finzione girata con attori; in realtà, lei alla festa non era stata invitata e ora sta cercando i suoi compagni per mostrar loro la scena e filmarne le reazioni. I pochi che raggiunge sono imbarazzati ma gentili, solo Malle (Malin Vulcano), colei che materialmente non le ha inviato l’invito, raggiunta sul lavoro le dice brutalmente che lei non era gradita. Comunque pacificata dall’aver messo su pellicola le sue frustrazioni, Anna sale su un tetto a godersi il panorama di Stoccolma con il suo aiuto-regista Erik (Erik Ehn).

Formalmente questo è il primo film della Odell ma, in realtà il suo saggio di fine corso del 2009, Okänd, kvinna 2009-349701, nel quale aveva inscenato un crollo nervoso e un tentativo di suicidio per essere internata in una clinica psichiatrica pubblica e mostrarne le carenze, era diventato un caso: lei ne aveva ricavato una piccola condanna per uso improprio di struttura pubblica e per resistenza alla polizia ma anche una certa notorietà e l’apprezzamento dell’intellighenzia svedese. Con La riunione lei si conferma – in qualche modo – erede del Situazionismo degli anni ’60 (il movimento di sinistra che con sortite provocatorie si proponeva di mostrare le falle della società), facendo anche scuola. Pochi anni più tardi (The reunion è del 2013), infatti, Robert Ostlund, dopo aver vinto nel 2017 la Palma d’Oro a Cannes, era stato candidato all’Oscar con The square, storia del direttore di una galleria d’arte moderna con varie opere di ispirazione post-situazionista; in particolare il nerboruto protagonista di una scultura vivente che picchia i partecipanti al suo vernissage ricorda da vicino la prima parte di questo film. Naturalmente il concept fa venire in mente uno dei capolavori del movimento Dogma, Festen (1988) del danese Thomas Vinteberg; però, al di là del modo assai diverso di effettuare le riprese, il film della Odell, pur non attraversato (come Festen) dal tragico tema dell’abuso familiare dei minori, ha una verità e una capacità di profondo coinvolgimento di rara efficacia. E’ certo un’opera sul bullismo ma, soprattutto, è il racconto della creatività che nasce e si stempera in una dolorosa e fecondissima solitudine (quella, nel contempo, universale ma anche peculiare del paese descritto da Erik Gandini nel suo La teoria svedese dell’amore). In Svezia The reunion ha vinto – cosa assai rara per un esordio – due premi Guldbagge (l’Oscar svedese). Non è facilissimo trovarlo ma, se potete, non perdetelo.

di Damien Chazelle. Con Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler, Corey Stoll USA 2018

Los Angeles 1961, Neil Armstrong (Gosling), reduce dalla Guerra in Corea, partecipa come pilota agli esperimenti della Usa Air Force del programma Man in Space Soonest, distinguendosi per la coraggiosa freddezza con la quale affronta situazioni estreme. Lui e la moglie Janet (Foy) stanno intanto vivendo il dramma della grave malattia della loro figlioletta Karen (Lucy Stafford), che di lì a poco morirà. Nel 1962 la NASA lo convoca per una selezione – consistente anche in controlli medici particolarmente dolorosi – di astronauti, che lui supera brillantemente. Cominciano i corsi, coordinati dal comandante Deke Slayton (Chandler) e lui diventa amico di altri colleghi, in particolare di Ed White (Jason Clarke), pur mantenendo un’ombrosità di fondo (accentuata dal ricordo di Karen) che lo porta spesso ad isolarsi. Nel 1966, insieme a Dave Scott (Christopher Abbott), effettua il primo volo americano nello spazio (per i sovietici aveva già compiuto l’impresa Valentina Tereskova). L’esperimento – detto Gemini 8 – riesce solo in parte, perché un problema tecnico costringe i due piloti ad un atterraggio forzato. Sarebbe andata ben peggio se Armstrong non avesse mantenuto il sangue freddo e non avesse improvvisato scelte coraggiose ma l’incidente provoca qualche ripensamento nel Congresso (anche se i successivi lanci erano andati bene) e Armstrong, con Slayton e il loro capo Bob Gilruth (Ciaràn Hinds) debbono andare a Washington a rassicurare la politica; gli incontri vanno bene ma, rientrati in albergo, vengono raggiunti da una tragica notizia: la capsula spaziale Apollo 1, con a bordo Ed, Gus Grissom (Shea Whgham) e Roger Chaffee (Cory Michael Smith) a causa di un corto circuito è andata a fuoco e i tre piloti sono morti tra le fiamme. Al dolore per la perdita degli amici, Jane – che aveva dovuto, poco dopo, bloccare la moglie di Ed, Pat (Olivia Hamilton), che, in trance, sembrava animata da cupe intenzioni – aggiunge l’angoscia per i pericoli che corre il marito. Questi, dopo un breve periodo di dolorosa assenza, torna al lavoro, preparandosi alla missione che porterà i primi uomini sulla luna. La sera della partenza per la base spaziale, lui prepara silenziosamente il bagaglio ma Jane lo costringe a salutare i due figli, Rick (Gavin Warren) e Mark (Connor Blodgett), dicendo loro la verità sulla pericolosità della missione. Appena ultimate le ultime pratiche di preparazione, il 16 Luglio 1969, l’Apollo 11, con a bordo Armstrong, Buzz Aldrin (Stoll) e Michael Collins (Lukas Haas), viene lanciato dal Kennedy Space Center e il 20 Luglio Neil, seguito qualche ora dopo da Buzz, cammina sulla luna.

Dal meraviglioso Viaggio nella Luna del pioniere George Méliès, i viaggi nello spazio sono stati al centro di centinaia di film: dagli ingenui Uomini sulla Luna del 1950 e Space Man del 1960, agli improbabili La regina di Venere del 1958 (in cui il pianeta Venere è abitato da splendide e, per l’epoca, succinte aliene) e Il pianeta proibito del 1956 (sorta di prequel del barboso Solaris di Tarkovskij), agli horror L’astronave atomica del dottore Quatermass del 1955, Il mostro dell’astronave del 1958 e Alien del 1992, alle parodie con Bob Hope e Bing Crosby (Astronauti per forza, 1962), Gianni e Pinotto (Viaggio al pianeta Venere, 1953), Jerry Lewis (Stazione Luna, 1966), Totò e Ugo Tognazzi (Totò nella Luna,1958), ai cartoon Wallace & Gromit – Una fantastica gita, 1990 e Il pianeta del tesoro del 2002, ai colossal Apollo13 del 1995, Avatar del 2009 e Gravity del 2013, ad art-movie, come Agente Lemmy Caution, Missione Alphaville (1965) di Godard e i due Solaris (quello di Tarkovskij  del !972 e il remake di Soderberg del 2002), fino a capolavori acclamati come 2001 – Odissea nello spazio del 1968 e Interstellar di Christopher Nolan del 2014.Chazelle, però, fa dello storico allunaggio del ’69 (con tanto, per noi italiani, di Tito Stagno e Ruggero Orlando) l’occasione per ritrovare l’estro creativo del capolavoro della sua giovane carriera: Whiplash. Non è un caso se mi sono limitato all’essenziale nell’allineare gli accadimenti del plot di First man: la storia è nota ma Chazelle fa di Armstrong non l’agiografico eroe che ci è arrivato ma uno dei suoi personaggi tragicamente soli e dolenti; lui è segnato dallo stesso destino del batterista Andew, che in Whiplash si esercitava alla batteria fino a sanguinare: l’Armstrong di Chazelle (e di Gosling che, con una perfetta recitazione “in levare” ce lo rimanda) non ha tanto il richiamo dell’avventura o del destino storico che lo attende ma la masochistica caparbietà di dover essere lì, agito da inconsci eventi, sorretto da una perfezione tecnica che solo una smarrita e dolente solitudine può dargli. Il cast è perfetto ma il film decolla davvero quando ci sono solo lui e le apparecchiature spaziali. Dopo il corretto e pettinato La La Land, un nuovo graffio del regista trentatreenne.

di David Gordon Green. Con Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Will Patton, Haluk Bilginer, Virginia Gardner USA 2018

Quarant’anni dopo la strage di Halloween ad Haddonfield in Illinois, i radiocronisti Aaron Korey (Jefferson Hall)  e Dana Haines (Rhian Rees) vanno allo Smith’s Grove Sanitarium, il manicomio criminale nel quale è ricoverato Michael Myers (James Jude Courtney e Nick Castle), l’assassino di quella notte; il Dr. Ranbir Sartain (Bilginer), che lo ha in cura, li accompagna nel cortile dove lui è incatenato ma li avverte che lui si rifiuta di parlare e infatti anche quando Aaron tira fuori la maschera da Ombra della Strega, che lui indossava durante gli omicidi, lui non apre bocca mentre gli altri internati, che avvertono la tensione, si agitano freneticamente. I due giornalisti si recano, poi, nella casa di Laurie Strode (Lee Curtis), l’unica sopravvissuta di quella notte, per intervistarla; lei si è costruita una specie di fortezza, con telecamere di sorveglianza e il giardino pieno di manichini-bersaglio sui quali si esercita quotidianamente; la sua ossessione difensiva, in passato, le ha fatto fallire due matrimoni e perdere la custodia della figlia Karen (Greer) quando aveva 12 anni. Durante l’intervista Aaron e Dana la informano che Michael sta per essere trasferito, insieme ad altri ricoverati, in un istituto di massima sicurezza. Laurie si precipita in casa della figlia – con la quale, con dolore della nipote Allyson (Andi Matichak), non parla da tempo – per mettere in guardia lei e il marito Ray (Toby Huss) ma ha un ennesimo scontro con la figlia. Al momento del trasferimento, il dottor Sartain insiste per accompagnare Michael. Poco dopo un padre (Brien Gregory) e un figlio (Vince Mattis), mentre tornano da un partita di caccia, vedono il bus che li trasportava in un fosso, con i cadaveri degli agenti sparsi intorno; entrambi vengono uccisi, non prima che il ragazzino, terrorizzato, spari a Sartain, ferendolo. L’indomani mattina è il giorno di Halloween e Michael, raggiunti Aaron e Dana in una stazione di servizio, dopo averli trucidati si riappropria della maschera della Strega e va ad Haddonfield; qui Allyson è ad una festa mascherata con il fidanzato Cameron (Dylan Arnold), che – un po’ bevuto – reagisce ad una sua scenata di gelosia buttandole il telefonino nel punch, mettendolo così fuori uso. Intanto, l’amica del cuore di Allyson, Vicky (Gardner) sta facendo la babysitter a Julian (Jibrail Nantabu) e, dopo averlo messo a letto, si fa raggiungere dal fidanzato Dave (Miles Robbins); qui arriva Michael (che ha già ammazzato due persone) con indosso la maschera, che li uccide, mentre Julian riesce a scappare e ad avvertire l’agente Hawkins (Patton), che nel ’78 aveva partecipato all’arresto dell’assassino. Laurie, che ha deciso di pattugliare le strade, capta un messaggio e, dopo aver sparato nel buio a Michael, facendolo fuggire, corre dalla figlia per convincere lei e il marito di rifugiarsi in casa sua, lasciando un messaggio sul telefonino – ormai inservibile- di Allyson. Quest’ultima, lasciata la festa, si fa accompagnare a casa dall’amico Oscar (Drew Scheid) ma quando lui prova a baciarla, se ne va da sola. Michael ha assistito alla scena e, dopo aver trucidato Oscar, lo appende ad un cancello. Quando Allyson lo vede e fa per fuggire, lui la insegue ma lei riesce a rifugiarsi in una casa, dove viene raggiunta da Hawkins, accompagnato da Sartain, che la fa salire in macchina. Durante il tragitto vedono Michael e Hawkins lo investe ma, quando scende per finirlo con la pistola, Sartain – che considera Meyers un caso da studiare e che spera che, lasciato libero di esprimere la furia omicida, potrà parlare e fornirgli preziose indicazioni scientifiche – lo accoltella e lo carica, svenuto, in macchina, dirigendosi verso la casa della nonna di Laurie. Quando Michael riprende conoscenza uccide il dottore e Allyson riesce a scappare. Il folle omicida – dopo aver ammazzato altri due poliziotti ed essersi impadronito della loro volante va da Laurie. Qui strangola Ray che, vedendo una macchina della polizia, era uscito di casa per raggiungerla ed entra in casa per la strage finale. Non finirà così.

https://www.youtube.com/watch?v=5OMFloFboF8

Halloween – La notte delle streghe del grande John Carpenter – pochi anni dopo Non aprite quella porta! di Tobe Hopper –  ha inaugurato una nuova stagione di saghe cinematografiche horror. Poco dopo arrivarono Nightmare di Wes Craven e Venerdì 13 di Sean S. Cunningham. Hopper, Carpenter e Craven, peraltro, non erano solo bravi artigiani (come l’onesto Cunningham) ma veri maestri di cinema. Questi film hanno segnato un’evoluzione nell’horror: il cattivo (Michael Meyers per Halloween, Leatherface per Non aprite quella porta!,  Freddy Krueger per Nightmare e Jason Voorhees per Venerdì 13, tutti personaggi divenuti di culto per generazioni) prevalentemente uccide ragazzi che fanno sesso o si fanno una canna, come una nemesi di una civiltà repressiva dura a morire. Il primo Halloween ha avuto, prima di questo, sette sequel, una serie tv e un reboot (cioè un remake con modifiche nella storia), che a sua volta ha prodotto un sequel; Carpenter ha diretto solo il primo e ha scritto il soggetto di Halloween II (nel quale si scopriva che Laurie era sorella di Mike) ma si è dichiarato scontento del film, diretto dal non eccelso Nick Rosenthal. La Blumhouse Productions, specializzata nel genere (Insidious, Paranormal activity, Sinister, La notte del giudizio) in accordo con Malek Akkad (il figlio di Moustapha Akkad produttore dei precedenti titoli della serie) e con Carpenter ha prodotto questo film, che è, sostanzialmente, un sequel del primo, ignorando completamente i capitoli successivi della saga (il fatto che i due protagonisti siano fratello e sorella, ad esempio non è mai menzionato). Al professionale e multi-genere (la sua filmografia va dai giovanilistici Strafumati e Lo spaventapassere ai drammatici Joe e Stronger) David Gordon Green è stata affidata una sceneggiatura all’antica, più thriller che splatter, e un cast di buona qualità (molti dei protagonisti sono apparsi in serie tv di recente successo), arricchito da attori di peso come la Greer e Patton, dal cinefilo ritorno Nick Castle (Mike Meyers solo nei primi minuti, poi sostituito dal giovane attore-stuntman James Judeb Courtney) e soprattutto dal ritorno di Jamie Lee Curtis. Lei, dopo i primi due episodi, era riapparsa con due poco più che camei in Halloween- 20 anni dopo e in Halloween – La resurrezione ma di questo film è il fulcro, tanto che il plot – segnato da un susseguirsi di ben congegnati, anche se talora volutamente telefonati, colpi di scena – diventa una sanguinaria storia d’amore (una sorta di L’inverno ti farà tornare – piccolo capolavoro di Henri Colpi su di una moglie che attende per anni l’amato marito –  con massacro) tra lei e Michael. Le scelte sono state azzeccate: il film (costato 15 milioni di dollari) non fa morire di paura ma è piacevolissimo e gli incassi sono già da record, la prima in USA ha raccolto più di 33 milioni di dollari (solo il debutto del recente It aveva fatto di più) e sta battendo il già miracoloso Venom. Avesse ragione Sergio Sollima che ha dichiarato che il nostro cinema sta morendo di autorialità e che avrebbe bisogno di ritrovare i generi?

di Stefano Sollima. Con Benicio Del Toro, Josh Brolin, Isabela Moner, Jeffrey Donovan, Catherine Keener USA, Italia 2018

Al confine con il Messico, una pattuglia blocca un gruppo di Immigrati clandestini e uno di loro si fa saltare insieme agli agenti con una bomba; il giorno dopo gli investigatori trovano tappeti di preghiera musulmani stesi sul terreno. Poco dopo a Kansas City un gruppo di terroristi suicidi fa esplodere un grande magazzino, uccidendo quindici persone. L’agente CIA Matt Graver (Brolin) va in Somalia, cattura il pirata Bashiir (Faysal Ahmed) e, dopo aver fatto bombardare la casa di uno dei suoi fratelli, lo costringe a confessare di fornire lui le navi ai terroristi islamici che, d’accordo con il cartello delle immigrazioni clandestine di Carlos Reyes, sbarcano in Messico per poi entrare negli Stati Uniti. Il Sottosegretario alla Sicurezza degli Stati Uniti, James Riley (Matthew Modine), convoca Matt e il suo capo Cynthia Foards (Keener) e li autorizza ad istigare, con qualsiasi mezzo, la guerra tra i maggiori cartelli messicani.  Graver recluta il sicario Alejandro Gillick (Del Toro), al quale gli uomini di Reyes avevano ucciso la famiglia, il quale – come primo atto –  uccide a Città del Messico un potente avvocato (J.D.Garfield) dei cartelli, mentre Graver, con il fido Steve (Donovan) e la sua squadra rapiscono la figlia di Reyes, Isabel (Moner). Ciascuna di queste operazioni deve apparire ai due principali cartelli – quello di Reyes e i Matamoros – come un atto di guerra dell’altro. Intanto, in Messico, il giovanissimo Miguel (Eliah Rodriduez) viene convinto dall’amico Hector (David Castaneda) a lavorare con Gallo (Manuel Garcia-Ruffo) – uno dei capi dei Matamoros – nel business delle immigrazioni. Isabel viene portata, incappucciata, in Texas, dove Matt e Alejandro, vestiti da agenti della DEA, mettono in scena un salvataggio, per farle credere di essere stata rapita dai rivali del padre; il piano è quello di riportarla a Città del Messico e di lasciarla in una zona controllata dai Matamoros per inasprire la guerra tra le bande. Durante il viaggio, però, la pattuglia di polizia messicana – che è al soldo dei cartelli – li attacca. Nello scontro a fuoco muoiono 25 poliziotti messicani; Isabel, terrorizzata, riesce a scappare nella campagna circostante e Gillick, d’accordo con Matt, decide di inseguirla da solo. Le indagini in America, intanto, sembrano portare ad una pista interna per alcuni degli attentati, rendendo meno urgente la guerra ai cartelli; la morte dei poliziotti messicani ha, inoltre, creato una tensione con il governo di quel paese e, quindi, Riley ordina di cancellare tutte le prove della missione, facendo fuori Isabel, come pericolosa testimone. Graver chiama Gillick – che ha raggiunto la ragazzina – e gli dà l’incarico di ucciderla ma lui rifiuta e, con l’aiuto del contadino sordomuto Angel (Bruno Bichir), dopo aver fatto tagliare i capelli alla ragazza perché sembri un maschio, nelle vesti di un peone messicano che vuole immigrare con il figlio raggiunge un punto di raccolta dei Matamoros. Mentre sta per salire sul pullman che porta i clandestini in America, però, viene riconosciuto da Miguel, che lo aveva visto in Texas con la divisa della DEA. Gallo, in cambio della promessa di promuoverlo a sicario, convince il ragazzo a sparare ad Alejandro, dopodiché parte portando via Isabel. Miguel, ancora scombussolato per il suo primo omicidio, durante il viaggio lascia gli altri per stare un po’ da solo. Cynthia – temendo che Matt possa avere degli scrupoli – ordina a Steve di recarsi, con due elicotteri pieni di agenti armati, ad uccidere Isabel e Alejandro ma Graver decide di guidare personalmente la missione. Con l’aiuto di un trasmettitore GPS, che Alejandro aveva infilato nella scarpa della ragazzina, Gallo e i suoi vengo raggiunti ed uccisi, mentre Graver – contravvenendo agli ordini – risparmia Isabel.  Gillick, che era solo ferito, riesce a raggiungere il confine e un anno dopo rintraccia Miguel e gli chiede se vuole ancora diventare un sicario.

Il film è un sequel di Sicario del canadese Dennis Villeneuve e, come il precedente, è scritto da Taylor Sheridan che dopo qualche ruolo da attore ed aver firmato varie sceneggiature di serie televisive di successo (CSI, NCIS, Veronica Mars, Yellowstone) si è subito imposto con lo script del film del 2015. Questo secondo capitolo, umanizza in qualche modo i due protagonisti, Matt e Alejandro, pur lasciando ad entrambi la freddezza necessaria per le missioni-limite cui sono chiamati. Questa – oltre la stima professionale che si è guadagnato dirigendo le migliori e più esportabili serie italiane degli ultimi anni: Romanzo criminale e Gomorra – è probabilmente la ragione per la quale è stato chiamato a dirigerlo Stefano Sollima, che all’ottima mano nel filmare la violenza, unisce la capacità di dare umanità a personaggi, che per definizione dovrebbero esserne privi. Lui ha dichiarato di essersi approcciato al progetto con qualche timore (“Mi stupivo, all’inizio, che il mio idolo Del Toro facesse quello che gli dicevo”, ha detto in un intervista) ma l’operazione è riuscita: il film – ancora in uscita in molti mercati – ha già superato in incassi Sicario. E’ improbabile che Sollima abbia potuto mettere mano più di tanto alla sceneggiatura di Sheridan ma l’ambientazione nel confine tra Texas e Messico e l’aria western che ha il film a noi, vecchi cinefili, fa pensare che lo abbiano anche ispirato i suggestivi western del padre Sergio – in particolare La resa dei conti e Corri, uomo, corri – con Del Toro/Alejandro che richiama Milian/Cuchillo senza i suoi ingenui (e un pochini ridondanti) ammiccamenti rivoluzionari.

di Bradley Cooper. Con Bradley Cooper, Lady GaGa, Sam Elliott, Andrew Dice Clay, Anthony Ramos  USA 2018

La rockstar Jack (Cooper) è al limite dell’alcolismo e una notte, alla fine di un concerto, chiede al suo autista Phil (Greg Grunberg) di portarlo in un posto dove possa bere. Trovano aperto un locale drag e Ramon (Ramos), che è all’ingresso, lo riconosce ed eccitato lo accompagna dentro; lì assiste ad alcune esibizioni en travestì, finché non arriva sul palco Ally (Lady Gaga), una cameriera di cathering con la passione per la musica, che canta La vie en rose.  Ramos  spiega a Jack che lei è una sua collega ed amica e lo accompagna a conoscerla; lui la invita ad andare con lui a bere in vari bar; lei accetta finché in un locale un fan strafatto (Andrew Michaels) gli chiede un autografo e lo strattona e Ally lo atterra con un pugno; fuori dal locale, lui le cura la mano ammaccata con dei surgelati e le racconta un po’ della sua vita: figlio dell’amore senile del padre con una ragazza di campagna, morta poco dopo, è cresciuto in un ranch affidato – dopo la scomparsa del padre – al fratellastro, dal quale ha preso l’amore per la musica. Ally, alla fine del racconto, gli fa sentire una canzone che ha composto, The shallow, e gli confessa di aver avuto risposte negative da parte dei discografici che trovavano interessanti le sue composizioni ma lei, per via del naso troppo pronunciato, inadatta ad esibirsi. Jack, cerca di rassicurarla ma lei non si fida e si fa portare a casa, rifiutando il suo invito ad accompagnarlo al concerto che l’indomani lui terrà a Memphis. Il padre della ragazza, Lorenzo (Dice Clay), è un ex crooner di nessun successo, ancora convinto di essere migliore di Frank Sinatra (sembra glielo avesse detto, anni prima, Paul Anka) e che spera che la figlia possa riscattarlo; così quando la mattina Phil bussa per portarla al concerto, cerca invano di convincerla ad accettare; l’autista, però, la segue fino al lavoro e lei, di fronte all’ennesimo sgarbo del boss (Jacob Schick), si licenzia, accompagnata da Ramon sale sulla limousine di Jack e con un aereo privato arriva al backstage del concerto. Jack soffre di acufene ed è reduce da una discussione con il fratello e manager Bobby (Elliott), il quale cercava di convincerlo a mettere delle cuffie protettive, che lui rifiuta perché lo isolerebbero dal pubblico. Inizia il concerto e, ad un certo punto dell’esibizione, lui attacca The shallow e la invita sul palco; lei inizialmente si ritrae ma poi va al microfono e canta con lui. Fioccano applausi e lui la porta nella sua stanza ma, ubriaco, cade addormentato, lei gli dorme accanto e l’indomani mattina fanno l’amore. Ora sono insieme e lei partecipa a tutti suoi concerti. Un giorno sono a pranzo da un loro amico e vicino di casa, George “Noodles” Stone (Dave Chappelle) e lui gli chiede un paio di pinze per fare un anello con un pezzo di corda di chitarra, lo mette al dito di Ally e George li porta dal fratello (Eddie Griffin), pastore di un proprio rito, che li sposa all’istante. Ally viene invitata dal potente manager Rez (Rafi Gavron) a far parte della sua scuderia; lei, dopo essersi consultata con Jack, accetta e il suo primo singolo è un successo, tanto da farle guadagnare una candidatura ai Grammy come miglior esordiente. Jack continua a bere ed a drogarsi e Bobby, esasperato, lo lascia, mentre lui vive con alterni sentimenti la carriera di Ally: da un lato, le è vicino e l’aiuta ma, dall’altro, non riesce a non esserne geloso. Per la sera dei Grammy è prevista una sua partecipazione ma, mentre lui si aspettava di cantare un suo pezzo, alle prove gli comunicano che dovrà solo suonare la chitarra e accompagnare Chris Issak e Brandi Carlie; è un brutto colpo e lui la sera della premiazione è completamente sbronzo e, accompagnando i due solisti che cantano Oh! Pretty woman, fa delle violente svisate con la chitarra, disturbandone la performance. Quando poi Ally, che ha vinto, sale sul palco, lui l’accompagna ma incespica e, in diretta mondiale, si piscia sotto. Lei è distrutta e lui accetta di andare nella clinica di Carl (Ron Rifkin) per disintossicarsi. Quando torna a casa, lei, per stargli vicino, cancella un importante tour in Europa; Rez va da lui e, spietatamente, gli rivela che la carriera di lei aveva rischiato di interrompersi per le sue intemperanze e che l’amore per lui ancora potrebbe rovinarla definitivamente. Jack le lascia una canzone, I’ll never love again, e si suicida. Lei, nel concerto in sua memoria, la canta con dolorosa commozione.

Tutto è cominciato nel 1932 con A che prezzo Hollywood di George Cukor, nel quale una cameriera (Constance Bennett) viene notata da un regista (Lowell Sherman) in declino che fa di lei una star e poi si suicida; 5 anni dopo William A. Wellman scrive e dirige il primo E’ nata una stella con Fredric March nel ruolo di attore-Pigmalione e Janet Gaynor in quello di stellina in ascesa,  i due personaggi saranno ripresi da James Mason e Judy Garland nello splendido remake del 1954 di George Cukor; poi nel 1976 Frank Pierson dirige Kris Kistofferson e Barbara Streisand nella non certo memorabile versione rock del plot. Questo terzo remake (escludendo Ci troviamo in galleria del’53, diretto da Mauro Bolognini con Carlo Dapporto e Nilla Pizzi, che ha una storia identica – qui ci sono un comico di avanspettacolo ed una cantante – ma con un finale meno tragico) ha avuto un inizio un po’ travagliato: il progetto vedeva inizialmente la regia di Clint Eastwood e Beyoncé come protagonista, poi è spuntato Bradley Cooper che ha firmato la sua prima regia ed ha chiesto Lady Gaga come partner e, insieme a lei, ha scritto ed interpretato (cantandole dal vivo) molte delle canzoni del film. Il risultato è un costoso e piatto “musicarello” (come venivano chiamati i film italiani con cantanti e canzoni di successo degli anni’60), con buone musiche ma – tranne The shallow e la canzone finale –  non particolarmente memorabili e – come appunto i film di Morandi, Al Bano e Littlle Tony, che erano tenuti su dal mestiere di Bramieri, Taranto, Franchi e Ingrassia, Nino Taranto e Montesano – con ottimi caratteristi. Cooper sembra più concentrato nel rendersi musicalmente credibile che nella prima prova di regia; svetta Lady Gaga, ottima cantante e anche intensa interprete. Probabilmente i buoni incassi del film si devono soprattutto a lei.

di Stefano Anselmi. Con Nunzio Fabrizio Rotondo, Paolo Vita, Elisa Di Eusanio, Micol Azzurro, Giulia Di Quilio   Italia 2018

Nunzio (Rotondo) e Paolo (Vita) sono due amici costantemente alla ricerca del colpo di fortuna; le loro mogli, la rampante avvocato divorzista Cristina (Di Eusanio) e la donna d’affari Maria Chiara (Di Quilio), sono stanche di finanziare i loro business sbagliati e li minacciano di buttarli fuori da casa se non trovano una sistemazione. Mentre si lambiccano il cervello seduti al bar, i due vedono arrivare un trafelato avventore, Armando (Maurizio Mattioli), che, in preda d un attacco di colite, si precipita alla toilette, lasciando incustodito il proprio suv, del quale si impadronisce subito un incapacissimo ladro, Rocco (Paolo Gattini) che non sa guidarla, consentendo a Nunzio e Paolo di riprenderla. Il riconoscente Armando li porta nel suo takeaway vegetariano e racconta fiero di possedere una catena di quegli esercizi e che gli affari gli vanno a gonfie vele. I due, che sono vegetariani, sono ammiratissimi e non capiscono che le strane bustine di polvere bianca che i clienti ritirano non sono affatto farina di riso e che i due involti che il truce gestore, Omar The King (Omar Monno), dà loro scambiandoli per spacciatori sono due panetti di hashish e decidono di aprire a loro volta un ristorante vegano. Hanno però bisogno di un capitale di partenza ed è escluso che le loro mogli li finanzino ancora ma, poiché la superstiziosa Maria Chiara crede ciecamente all’oroscopo, hackerano il sito cui lei presta fede assoluta, postandovi una previsione di grande fortuna legata all’investimento su di un affare proposto dal marito; lei si convince a investire una grossa somma e coinvolge anche Cristina. I due acquisiscono un agriturismo alle porte di Roma e si mettono alla ricerca di personale; prima di tutti, rintracciano lo stellato chef Ciro (Yari Gugliucci), che ora, a causa di un divorzio, ha perso casa e ristorante e vive in macchina; vanno poi in un night a parlare con la sexi Morena (Azzurro), pole-dancer cugina di Nunzio, per assumerla come cameriera, lei sulle prime rifiuta ma, quando Omar, che gestisce anche quel locale la caccia perché “è troppo vecchia”, accetta; mentre escono dal locale, vedono Rocco che scappa con la loro macchina, di nuovo lo raggiungono facilmente e, appreso che era stato cuoco in carcere, lo arruolano come sous chef; lui, a sua volta, propone come sguattero il suo ex aiuto-cuoco Nino (Leonardo Sbragia) e con il lavapiatti cinese (in realtà romano da tre generazioni) Ndong (Yoon Cometti Joyce)  l’organico è completo. Il ristorante però non decolla e la notizia dell’arresto di Armando chiarisce ai due quale era la sua vera fonte di ricchezza. L’unica speranza è attirare l’attenzione del grande critico culinario francese Michel De Best (Maurizio Lombardi), ora in missione a Roma ma il loro primo invito viene respinto con malgarbo: Michel è un convinto carnivoro ed odia il vegetariano. L’unica soluzione, per non fallire e non far del male agli animali, è quella di riciclare il locale in una bisteccheria con carni finte, create dalle verdure dall’abile Rocco, riempiendo le stalle adiacenti al locale di animali in apparenza pronti ad essere cucinati. Ora De Best accetta l’invito del locale, – rinominato per l’occasione “Ar macello da Nunzio e Paolo” – e, conquistato da una “bistecca”, scrive una recensione entusiastica. Ora il locale è pieno di clienti, ai quali vengono propinate anche scene grandguignolesche di uccisioni di bestiole ma il video di Ndong che insegue un agnellino con una katana scatena l’indignazione degli animalisti, che, capeggiati da Loredana (Loredana Cannata), organizzano una manifestazione davanti al locale, proprio nella sera in cui vi torna, goloso, De Best, e arriva Armando, evaso dai domiciliari e pronto a ricattare i due per i due panetti di hashish. Due rapimenti, l’intervento di un pasticcere di strada (Piotta/Tommaso Zanello) e la nascita di un vitellino segneranno il lieto fine.

Anni fa Aurelio De Laurentiis, dandomi la sceneggiatura di un suo film di Natale, mi aveva detto: “Leggila ma non è la definitiva: è la sedicesima stesura, ne dovremo fare almeno altre tre”. Parliamo degli ingiustamente bistrattati cinepanettoni e, però, questa è una delle ragioni del pessimo stato di salute del nostro cinema: l’approssimazione e la fretta – necessitata da un mercato drogato – con la quale i progetti vengono licenziati. Fatta questa necessaria premessa, va riconosciuto a Non è vero ma ci credo il merito di riproporre il sapore delle vecchie commedie italiane degli anni ’50, quelle, per intenderci figlie del vecchio varietà con Billi e Riva (Accidenti alle tasse!!, Abracadabra, Siamo tutti milanesi) o con Taranto e Croccolo (Libera uscita, Licenza premio, Tizio, Caio e Sempronio); alcune gag sono carine, il cast di contorno non può certo essere paragonato agli eccellenti caratteristi dei vecchi film ma è scelto con intelligenza, il produttore Gianluca Curti è figlio d’arte (il padre era il produttore Ermanno e la mamma l’attrice Eleonora Ruffo) e ha già al suo attivo due riuscite proposte di film con comici televisivi emergenti (Ciao brother con Pablo e Pedro e Finalmente sposi con gli Arteteca), Anselmi, infine, al suo primo lungometraggio, dà una bella prova: lui ha diretto ottimi corti e ha collaborato con registi importanti ed è un buon saggista di cinema (che spiega la capacità di ricreare l’allure del cinema di Mattoli e Simonelli); la vera incognita erano i due protagonisti, noti come animatori e creatori di divertenti format prevalentemente dedicati alla musica ma non certo attori (anche se già protagonisti del tv-movie Sky Innamorati di me) – e si vede – ma le buone intuizioni di casting compensano bene i loro limiti. Non è certo un film privo di difetti ma è genuino e pervaso di una contagioso entusiasmo. Ci basta.

di Corin Hardy. Con Taissa Farmiga, Bonnie Aarons, Charlotte Hope, Demián Bichir, Lili Bordán USA 2018

1952.  Nel convento di Santacarta in Romania, situato in un vecchio castello isolato e diroccato, sorella Jessica (Ani Sava) affida, prima di essere massacrata da una presenza demoniaca, alla giovane sorella Victoria una pesante chiave cesellata ma quest’ultima, inseguita da una suora spaventosa (Aarons), capisce di non avere scampo e, legatasi una corda al collo, si getta dalla finestra della propria cella. In Vaticano viene convocato Padre Anthony Burke (Bichir), uno “scopritore di miracoli” con il compito di recarsi al convento insieme alla novizia Irene (Farmiga) – a quel che gli viene detto, buona conoscitrice della zona del convento – per indagare su quel suicidio. In realtà lui è un esorcista, gravato dai sensi di colpa per aver causato la morte del giovane Daniel (Jack Falk) – il suo primo caso – liberandolo dal demonio e lei (che non è mai stata in Romania) sta prendendo i voti in seguito a delle visioni durante le quali sentiva una frase-guida: “Maria mostra la via”. Arrivati al paese del convento, vanno dal Francese (Jonas Bloquet), giovane contadino che, portando come sempre le provviste alle monache, aveva trovato il corpo della suora suicida e, non potendo –a causa del loro voto – comunicare con le altre consorelle lo aveva lasciato disteso sul pavimento della dispensa. Lui li accompagna con il suo carretto ma l’ultimo tratto di strada lo debbono fare a piedi perché il cavallo si rifiuta di andare nei pressi del convento. Dopo essere passati per il cimitero – nel quale tutte le tombe sono dotate di un campanello (antico retaggio della peste medievale, quando data l’enorme quantità di sepolture, succedeva che qualcuno venisse sotterrato ancora vivo) – entrano dalla dispensa dove trovano il cadavere non più disteso in terra ma seduto su di una panca. Dentro il castello li accoglie la Madre Superiora (Lynette Gaza) velata, che dà loro ricetto per quella notte ma li invita ad andarsene il mattino successivo. Quella notte il Francese vede aggirarsi suor Victoria e, spaventato, la segue ma, quando la raggiunge, lei, con le sembianze feroci della suora assassina, lo aggredisce – poco dopo nella locanda del paese, confermerà alla cameriera (Bordàn) ed agli altri avventori che il monastero è maledetto – mentre Padre Anthony, al quale appare Daniel, lo segue e dalla bocca del ragazzo esce un serpente, lottando con il quale finisce in una tomba con il suo nome; suona disperatamente la campanella e irene riesce a sfondare la bara che è piena di antichi manoscritti. Ritiratosi nella sua stanza, il sacerdote li esamina e scopre che sono opera del vecchio padrone del castello, il duca di Santacarta (Mark Steger), ossessionato dal Demone Valak. Irene, a sua volta, avverte presenze minacciose e quando va in chiesa a cercare aiuto trova Suor Ruth (Sandra Teles) in preghiera che non risponde alle sue richieste di aiuto; la soccorre suor Oana (Ingrid Bisu), che le spiega come il marchese avesse involontariamente evocato il demone Valak e che il castello – dopo che il maligno era stato ricacciato e che il varco da cui questi era uscito era stato sigillato con il sangue di Cristo – era diventato un convento; durante l’ultima guerra, però, i bombardamenti avevano riaperto il varco e le monache, da allora, si alternavano in costante preghiera per allontanare la maledizione. La suora-demone si fa sempre più minacciosa e Anthony (che ha con se un’ampolla con il sangue di Cristo) ed Irene si salvano da un primo assalto anche grazie al ritorno del Francese; successivamente una statua della Madonna indica loro la strada per arrivare alla tana del demone e, dopo una strenua lotta, la suora/Valak viene ricacciata negli inferi. Vediamo però, nel finale spostatosi agli anni ’70, i due investigatori del paranormale, Lorraine (Vera Farmiga) ed Ed (Patrick Wilson) Warren raccontare in una lezione universitaria di come avevano, poco prima, sconfitto la suora-demone che era stata rievocata da un suo adepto, il Francese.

L’horror, letterario o cinematografico, si è spesso alimentato di religione e satanismo (in fondo, il Frankenstein di Mary Shelley – e così i suoi nipotini cinematografici – altro non è che la storia della blasfemia di uno scienziato che voleva sostituirsi, creando un essere umano, a Dio); a spanne possiamo citare L’esorcista, Constantine, Giorni contati – End of days, Carrie, i vari Grano rosso sangue, Omen, Scontro finale.  Nel 2013 un piccolo horror di ottimo valore produttivo e con un buon cast, The conjuring ebbe un grande successo commerciale; ovviamente ebbe un seguito ma, poiché le vicende dei film erano incentrate sulle indagini di Ed e Lorraine Warren, esperti in fenomeni paranormali (ispirati a due persone reali), i due creatori del format James Wan (regista dei due Conjuring ma anche dei due Insidous) e Gary Dauberman (sceneggiatore del secondo e del recente It) hanno dato vita a già tre spin-off, ispirati alle indagini dei Warren: sono arrivati così i due blockbuster Annabelle 1 e 2 (Wan produce e Dauberman scrive) e The nun (prodotto e sceneggiato da entrambi); questo nasce come un prodotto di routine: un budget contenuto, grazie alle poche location e all’ambientazione nella conveniente Romania e a un cast professionale ma non certo costoso (protagonisti: la sorella minore di Vera Farmiga e il messicano – ancorché candidato all’Oscar per A better life – Bichir), mentre la presenza nel prologo e nell’epilogo di Vera Farmiga e di Patrick Wilson probabilmente (i loro nomi non appaiono mai) è una partecipazione amichevole. La scelta di affidarne la regia al semi-esordiente Corin Hardy, in parte, rientra anche nella logica di contenimento dei costi ma è stata anche una bella idea: già con il suo precedente The Hallow, Hardy si era fatto notare ai festival di Sundance e di Torino (a proposito, il film non ha una distribuzione in Italia ed è un peccato perché è di ottima fattura e funzionerebbe) e qui mette insieme un bell’horror all’antica, con i giusti effettacci e gli strilli del pubblico al momento giusto e con in più una sorpresa finale, presa da qual capolavoro assoluto che è Per favore, non mordermi sul collo di Polanski. In Usa ha incassato 93 milioni di dollari, nel mondo sono ad oggi circa 240. Poco?

di Isabel Coixet. Con Emily Mortimer, Bill Nighy, Hunter Tremayne, Honor Kneafsey , Patricia Clarkson.            Spagna, Gran Bretagna, Germania 2017

Negli anni ’50 la vedova di guerra Florence Green (Mortiner) acquista un piccolo immobile, sfitto da anni, nel centro della cittadina di Hardborough nel Suffolk inglese, The Old House, intenzionata ad aprirvi la prima libreria della zona. Poco dopo viene invitata ad una festa dalla potente Violet Gamart (Clarkson); la sarta (Frances Barber) le confeziona, per l’occasione, un improbabile abito rosso, che le aggiunge imbarazzo in quell’ambiente snob nel quale è totalmente estranea; durante il party le si accosta Milo North (James Lance) – funzionario della BBC con molto tempo libero – che, con fare sgradevole e mellifluo, la sconsiglia dall’aprire la libreria e, subito dopo,  il padrone di casa, il generale (Reg Wilson), la accompagna dalla moglie, che le chiede esplicitamente di cederle l’immobile, avendo lei l’intenzione di aprirvi un centro culturale. Lei rifiuta ma il giorno dopo tutto il paese sembra informato della sua presunta rinuncia ed anche il suo avvocato, mr. Thorton (Jacques Suquet), e il direttore della sua banca, mr. Keble (Tremayne) debbono essere sollecitati perché stanno ritardando la pratiche dell’acquisizione dell’immobile. Viene il giorno dell’apertura e Florence – che nel frattempo ha assunto la piccola Christine (Kneaffsey), figlia della signora Gipping (Lucy Tillet) la donna delle pulizie, per dare una mano dopo la scuola – riceve una lettera da Edmund Brundish (Nighy) – grande ed eccentrico lettore (brucia di tutti i libri le copertine, perché odia le note sull’autore), che da anni vive in reclusione solitaria nella propria villa (in paese si mormora che abbia, dopo solo 6 mesi di matrimonio, perso la moglie, annegata mentre raccoglieva dei lamponi per lui) – che le chiede di mandargli dei libri a suo gusto; lei incarta tre volumi tra i quali Farheneit 451 e glieli fa recapitare e lui le chiede di inviargli altri titoli di Bradbury. Un giorno lei legge Lolita, appena uscito, e se ne entusiasma ma, prima di esporlo in libreria, lo fa recapitare ad Edmund chiedendogli per lettera se ritenesse quel testo adatto alla sua clientela. Lui, poco dopo, incarica mrs. Gipping di invitarla per un tè, rompendo un isolamento pluridecennale; in villa la invita ad esporre il libro di Nabokov – lei ne farà arrivare 250 copie – e le confessa di non essere vedovo, poiché la moglie – con la quale non aveva avuto nessun legame sessuale – era andata a Londra, dove viveva con un altro uomo. Lolita ha un gran successo ma questo dà il destro ai nemici della libreria a metterla in difficoltà per il piccolo assembramento che si era formato davanti al negozio. Florence incontra Kattie (Charlotte Vega), la convivente di Milo, che lavora nel ufficio del personale della BBC e ne copre le assenze, che le confessa di essere in crisi per le ambiguità del carattere del fidanzato. Tra Florence e Christine si è instaurato un bel rapporto e lei, piano, piano, la ha anche avviata alla lettura (che inizialmente lei diceva di aborrire) ma la visita a sorpresa di un ispettore scolastico (Barry Barnes), costringe la ragazzina a lasciare la libreria e al suo posto si offre Milo, sostenendo che Kattie lo ha lasciato e che lui – senza più coperture – debba arrotondare con un piccolo guadagno. Intanto mrs. Gamart, da un lato, ha ottenuto dal nipote deputato Lionel (James Murphy), che venisse approvata una legge che consentiva l’esproprio di residenze storiche rimaste sfitte per più di cinque anni (esattamente la condizione della Old House) e, dall’altro, ha fatto aprire un’altra libreria in paese. Florence è disperata ed Edmund si offre di aiutarla; va a fare una scenata alla Gamart ma fa un buco nell’acqua e, al ritorno l’emozione gli provoca un fatale infarto. Milo, mentre Florence era assente, ha sottoscritto a suo nome il documento di esproprio – togliendole così anche la possibilità di un ricorso –  e lei, dopo aver cacciato il generale che era andato a negozio a salutarla, lascia Hardborough ma Christine…

Le librerie hanno nel cinema, più o meno sempre, le stesse caratteristiche: sono piccole, accoglienti e gestite da sognatori fuori dal tempo. Era così nel meraviglioso 84 Charing Cross Road di David Jones, come in C’è post@ per te di Nora Ephron, in Notting Hill di Roger Michell e nel recente La stanza delle meraviglie di Todd Haynes (in quest’ultimo film il bokkshop era meno centrale ma le varie vicende lì si ricompongono). La casa dei libri, tratto da La libreria di Penelope Fitgerlad, non è da meno ed in Spagna, patria della regista e principale paese produttore, ha convinto parecchio, guadagnandosi tre Goya: regia, sceneggiatura e protagonista. Non si direbbe, in realtà, che siamo di fronte ad un’opera così incisiva ma ad un film piacevole e ben costruito, con una bella fotografia (Jean-Claude Larrieu), scenografie (Rebecca Comerma) e costumi (Mercè Paloma) di grande precisione e degli ottimi protagonisti, la Mortimer (anche se talvolta sembra rinverdire le mossette della segretaria/fidanzata di Clouseau/Steve Martin), Nighy (sempre mostruosamente bravo) e la Clarkson. Molti hanno sottolineato la capacità della Coixet di rendere perfettamente l’atmosfera inglese del romanzo. E’ vero e accontentiamoci (il nostro cinema spesso non riesce a dare credibilità neppure alle inutilmente strafrequentate borgate romane).